从威尼斯现场，直击AI 影像的未来

2026年9 月的威尼斯，这个创办近百年的 A 类电影节第一次系统性讨论并展映 AI 内容。比起「要不要让 AI 进来」，更值得记录的，是它进来之后提出的问题。

一｜威尼斯现场

9 月 4 日上午，第 83 届威尼斯国际电影节官方产业单元 Venice Production Bridge（威尼斯制作桥）的日程里，出现了一个此前没有过的板块：「AI × Cinema: The 10000 Parallel Universes Initiative」。论坛在 Hotel Excelsior 三层的 Spazio Incontri 举行，由 TapNow 与 HappyHorse 联合主办，是威尼斯制作桥第一次举办聚焦AI影像的官方论坛，也是唯一被官方准入、由 AI 公司主办的活动方。

议题是四项：向国际电影产业正式发布「10000 Parallel Universes」孵化计划；探讨 AI 时代电影创作、人才培养与内容产业的新生态；展示 AI 长内容创作的最新实践；

以及正式发布 Glanze——首个AI原生长内容连载的流媒体平台。

9 月 7 日下午 16:30，Palazzo del Casinò 二层 Sala Pasinetti 影厅，「一万个平行宇宙：AI 电影新浪潮」专题展映面向产业与持证人开放，十余部来自全球创作者的 AI 原生影像作品集中放映。放映的不只是短片，还有 trailer 与第一集——包括巴西导演长片项目《Super Me》的世界首映、伊朗导演战争题材《重返德黑兰》的世界首映、北电导演科幻剧集《氧气猎手》的世界首映，以及 TapNow 自制剧集《原基》《地球没有花》《Susan》的预告与第一集首映。

论坛之后还有一场鸡尾酒派对，现场设置了一台「天使扭蛋机」（Angel Capsule Machine）：每枚扭蛋里装着柬埔寨公益项目中孩子们做的手工皮雕，和一张 TapNow 的 AI 创作算力券。展映现场，每位观众会拿到一份《10000 Parallel Universes》电影报纸，既是观影手册，也是加入这个孵化计划的入口。

这些是事实部分，值得多说一句的，是「唯一」这两个字。据接近项目方的说法，TapNow 是把过往黑客松的获奖 AI 短片合集发给威尼斯组委会，用作品本身说明 AI 影像的质量水准，才换来这张入场券。一个近百年历史的电影节，没有选择把 AI 挡在门外，而是把它放进了产业日程——这件事本身，比任何一句宣言都更能说明当下的风向。

《综艺》对「AI × Cinema: The 10000 Parallel Universes Initiative」的报道

二｜讨论的重心已悄然改变

如果说这场论坛有什么值得记录的，是它的坐标。

TapNow 在开场抛出的设问是「Why Now: A New Language for Cinema」——电影正在被重新定义为一门新的语言。但整场讨论的落点，早已不在「AI 能不能拍电影」，而在「AI 如何服务长内容的创意开发、世界观搭建和成片发行」。

从制作实操，到产业系统。这个位移本身，是今年威尼斯最重要的信号。

现场几位嘉宾的表述，可以从不同角度拼出这个坐标。

来自电影教育界。 代表欧洲 50 所电影学校网络的 CILECT 欧洲分会主席、多所国家电影学院的创始人 Barry Dignam 提出了一个并不讨巧的观点：AI 不是在降低电影教育的门槛，反而把门槛抬高了。他认为，学校不该试图教授每一个新工具，因为技术迭代的速度远快于课程体系重建的速度；该教的是批判性思维，以及围绕工艺和实践的核心价值观。「AI 不是成为电影人的捷径。你仍然必须付出努力。」

来自创作者社区。 PROMPTR 的 GenAI 总监、AI Filmmakers Berlin 创始人 Ben Chimoy 认为，AI 真正带来的价值不是效率本身，而是把原本分散的人重新拉进同一个创作空间里，一起完成一部作品——创作的起点，已经可以由 AI 参与搭建。

来自技术方。 阿里巴巴 Token Hub 全球 AI 产品解决方案负责人 Tianshu Zhu 在介绍自研视频生成模型 HappyHorse 时说得很坦白：这个模型的设计初衷是解决预算和资源的约束，而不是解决好故事匮乏的问题。

三句话指向同一件事：AI 能压缩的是成本，压缩不了审美、判断力，以及一群愿意一起做事的人。

而当「能不能做出来」不再构成问题，真正的问题就浮出来了——做完之后呢？

三｜《原基》：一支预告片之后，开始真正叙事

「一万个平行宇宙」第一季从 2026 年 4 月启动，四个月征集到 2000 多部投稿。越来越多创作者开始从单支 AI 短片转向角色、世界观和连续叙事——AI 影像正在从「作品创作」走向「IP 创作」。

在威尼斯被放在重点孵化与首集展示位置的，是 S 级项目 《原基》（Primordia）。论坛发布了预告片，展映单元首映了第一集，单集 20 分钟。它同时是 Glanze 的首发 IP。项目导演与声音创作团队也来到了现场，向欧洲电影工业拆解了幕后流程。

故事是这样的： 人类帝国靠掠夺原基生物体内的「原石」来统治整个星区。边境少年杰西意外救下一名逃亡军官鲁克；一个想要一张通往德洛星球的通行证，一个执着于复活自己死去的儿子。一笔交易，把两个人一起拖进帝国、战争，以及杰西身世的巨大秘密。

它出自一支两人团队：视听导演 Orin Jo L. 负责影片的整体视听呈现，故事导演 Johann Q. 负责剧本创作、世界观构建以及部分 AI 制作。

这个开篇做对了什么

它用的是一个极其经典的「少年 + 落魄长者」配置——你会想起卢克与欧比旺，想起一切公路片式的成长叙事。但它立刻在这个配置里拧了一下：鲁克不是导师。 他不是来传授智慧的，他是个被丧子之痛逼到绝路的父亲，一个把杰西当成船票的人。而杰西也并不无辜，他在利用鲁克离开边境。

两个人都在利用对方。而这恰恰是剧集最需要的燃料——一段互相利用的关系，天然具有可延续性。它不像「英雄打败魔王」那样在终点一次性兑现，它会随着每一集的利益变化不断重新排列。这是「短片思维」和「剧集思维」最本质的分野。

再看麦高芬。「原石」不是抽象的能源，而是长在原基生物体内的东西。这个设定让掠夺行为天然带上了伦理重量：开采即屠戮。它也给了杰西一条清晰的道德成长线——他对原基生物的态度，会是他从「想离开」到「想留下」的路标。

至于视觉，最直接的观感是：在这支片子里，我们已经几乎看不出「AI 味儿」了。美术设定、镜头调度、剪辑节奏都呈现出相当高的完成度。两个人的团队做出了过去需要一整个视效部门才能支撑的体量——这件事本身，其实已经不需要再论证。

但它要回答的是更难的问题

一支两分钟的预告片，可以靠世界观密度和视觉奇观取胜。一旦进入「20 分钟一集、若干集连载」的形态，考验的就是另外三件事。

第一，人物有没有值得追踪的变化。 《原基》把杰西的身世做成了最大的钩子，这是对的；但身世是「解释」，不是「变化」。观众追一部剧，追的是人物在压力下做出的选择，而不是他到底是谁。这个悬念必须在第二、三集转化为具体的行动，否则会变成拖。

第二，世界观里的冲突能不能撑住多集而不重复。 「帝国掠夺—主角反抗」是一条足够长的线，但它也容易滑入单调节奏：每集一个据点、每集一次突围。《原基》给出的答案是让鲁克的复活执念与杰西的身世秘密交叉——两条动机线互相牵制，这是一个有希望的结构，但还需要后续的集数来验证。

第三，也是最硬的一条：表演。

短片可以用奇观压住表演的僵硬，长剧不行。观众可以容忍一支预告片里略显空泛的眼神，但很难容忍连续三集、每集二十分钟的空泛。微表情、情绪的连续性、对话时的呼吸感——这些仍然是 AI 影像共同的短板，而它会在长内容里被成倍放大。

《原基》被选中这件事真正的意义，正在这里：它不再是一个「能不能做出来」的证明，而是一个「做出来之后能不能活下去」的测试。平台把它放在最高孵化等级，把主创请到威尼斯现场讲解幕后，说明双方都很清楚——接下来的仗不在生成端，在叙事端。

四｜工具这一环：CreativeOS 要撑住的是长内容

TapNow 这次能在威尼斯同时拿出《原基》《地球没有花》《Susan》多个自制长篇项目，本身就是对工具硬实力的一次验证。短片可以靠一次灵光和几轮抽卡完成，长篇不行——它考的是流程。

支撑这些项目的，是 TapNow CreativeOS。它被设计成一条完整的工作流：从剧本灵感、世界观搭建，到影像生成、剪辑包装，都在同一个环境里完成，创作者不需要在十几个工具之间反复导入导出。这件事在长内容里尤其关键——单支短片换个工具重来一次，成本还扛得住；一旦进入多集连载，角色一致性、场景连续性和素材版本管理，会迅速变成真正的难题。

其中几项能力，是专门为长项目准备的。

第一，素材库 + 主体库。角色、道具、场景被沉淀成可复用的主体资产，而不是散落在无数条生成记录里。对连续叙事来说，这几乎决定了项目能不能往下做——拍到第 8 集时，你仍然需要一个「和第一集一模一样的杰西」。

第二，接通 Frame.io、Vimeo 这类专业生态插件。审片、批注、版本回传可以直接接进已有的影视工业管线，而不必让 AI 团队另起炉灶。这是 AI 原生团队能否真正进入工业体系的接口问题。

第三，Agent 的无限上下文。长项目最怕的不是某一帧做得不够好，而是「记不住」：上一集定下的色调、某个角色的口癖、三集之前埋下的伏笔。Agent 负责管理项目的长距离记忆，并在过程中学习创作者的习惯与偏好——你惯用什么样的镜头语言，你的节奏通常停在哪里。

还有两点容易被忽略。一是迭代速度：模型的进化以周为单位，工作流如果跟不上，工具本身就会成为瓶颈，CreativeOS 的更新节奏是贴着模型进化走的。二是它端内接通了飞书、百度网盘这类日常办公软件，团队沟通和素材流转不必跳出创作环境。听起来都是小事，但对「不打断创作心流」这件事，起作用的往往正是这些小事。

说到底，工具在这里扮演的不是「生成器」，而是「制片系统」：让创作者几乎不需要额外的学习成本，把注意力留在判断和审美上。这大概才是 AI 影像能规模化做长内容的前提。

五｜Glanze：补上离观众最近的那一环

论坛上另一个正式动作，是新平台 Glanze（glanze.tv）的官宣。它是首个在国际 A 类电影节上发布的 AI 原生长内容流媒体平台。

过去两年，AI 影像的尴尬不在于做不出来，而在于做完之后没有地方去。

一位创作者花几个月做了一支漂亮的预告片，发在社交平台上收获一堆点赞，评论区最高频的问题是：「正片什么时候出？」大多数时候，答案是：没有正片。因为没有后续资金，没有发行渠道，也没有人愿意为一支预告片背后的不确定性买单。

从「先成片后上线」到「先导预览 + 连载」

Glanze 想补上的，正是最靠近观众的那一环。

它的机制创新在于流程的颠倒。传统影视是「先完成成片，后上线」，风险全部积压在上线那一刻；Glanze 用的是「先导预览 + 漫画式连载」——创作者先放出预告或首集，平台根据观众反馈决定后续的开发节奏与资源投入。

TapNow 内部常把它比作《少年 JUMP》：不是编辑部在会议室里决定谁能活下来，是读者用脚投票；活下来的继续连载，连载下去的才能长成 IP。

对创作者来说，这意味着两件很实在的事：预告片不再是终点；以及你第一次有可能和一个平台建立长期关系，而不是打一枪换一个地方。

于是，TapNow 的整条链路第一次闭合了：

创作工具（TapNow CreativeOS）→ 创作者社区（TapTV）→ 赛事发现（Arena 黑客松）→ IP 孵化（一万个平行宇宙）→ 电影节背书（威尼斯）→ 面向观众的发行（Glanze）

不是「AI 皮肤版」

需要说清楚的是，Glanze 并不是传统流媒体套一层 AI 外衣。

在传统的流媒体逻辑里，「海量的原创 IP」「持续稳定的连载」「较高的制作质量」这三者几乎不可能同时成立——它们互相争夺预算。AI 的参与改变的是成本结构：当一个两人团队可以支撑过去一个部门的产能，「大量」和「高质量」之间的对立就被削弱了。

它的内容定位也更接近独立制片厂而非平台工厂：聚焦具有鲜明创作者视角的原创连载内容，强调作者表达与持续开发的可能性，而不是算法推荐下的同质化供给。用 TapNow 自己的说法，是希望把 A24 式的作者性，和连载制带来的那种持续生长的可能性放在一起。

关于创作者关系

这里有一个必须谈清楚的问题：平台和创作者之间，到底是一种什么关系？

近两年，行业里出现了不少面向创作者的孵化与扶持计划，方向都对。但其中相当一部分，本质是一种置换——用积分、流量和曝光位，换作者的忠诚度与内容供给。项目要申报，资源要争取，但最终能真正走到发行环节的寥寥。

Glanze 想表述的是另一套：同样需要筛选，同样需要申报，但它承诺的是充分尊重作者的表达，并且真的能把作品送到观众面前。前者是流量逻辑，后者是发行逻辑。

这两者的差别，创作者心里最清楚。当然，这份承诺能不能兑现，取决于 Glanze 后续能不能把这份片单发展成稳定的内容供给——这件事值得持续观察，现在下结论为时过早。

六｜当审美和文化经验被排在第一位，行业会怎么变

回到那个更值得讨论的问题：当 AI 把制作的门槛压到极低，当创作者的独特审美和文化经验被放在第一位，影视行业会发生什么？

我的判断有五条。

其一，制片中心化被削弱，作者性和体量第一次不再互斥。

过去，「大体量的视觉呈现」必然意味着大资本、大团队、大妥协。你要拍星区战争，就得先说服一群人给你钱，然后接受他们对你剧本的意见。AI 把这个等式拆开了一部分：一个两人团队可以做出过去需要一整个视效部门的体量。这意味着「作者性」不再必然需要用「低成本」来交换——《原基》这样的项目能存在，本身就是一个样本。

其二，从「项目制」走向「连载制」，风险被切碎。

传统影视是拿一个项目押注全部：几千万砸进去，上映三天见生死。而「先导预览 + 连载」的逻辑，是把风险切成很多段——先用最小成本验证一个世界观有没有人看，再决定要不要追加。这是漫画工业用了几十年的办法，现在被搬进了影像。它未必能诞生更多杰作，但它会显著减少「没人看却已经拍完」的浪费。

其三，人才评估的标准会改变：从「资源调度能力」转向「判断力」。

当「做出来」不再是门槛，「做什么」就成了主要的门槛。Dignam 说「AI 不是捷径」，说的正是这个：技术把地基铺好了，但对审美、节奏、人性的判断，反而被提到了前所未有的高度。未来一个导演的核心竞争力，可能不再主要是「我能不能搞定这个镜头」，而是「我知不知道该拍哪个镜头」。

其四，电影节的角色正在微调：从「发现完成品」到「发现可能性」。

这是威尼斯这次最耐人寻味的地方。展映单元里放的不是成片，是 trailer、是第一集、是「还没长完」的东西。电影节开始为一种可能性背书，而不仅仅是为一件完成品颁奖。这对年轻创作者是实质性的好消息——你不再需要先凑齐一部长片，才能被看见。

其五，本土叙事获得了出口，但出口也可能变成陷阱。

伊朗的战争记忆、巴西的贫民窟、柬埔寨孤儿院里的孩子——这些故事过去不是没人想拍，是拍不起，也送不出去。AI 改变了它们的成本结构，让它们有机会出现在威尼斯的银幕上。

但这里有个需要警惕的地方：如果「本土」只剩下视觉素材，那它依然只是猎奇。 真正稀缺的不是「伊朗街景」或「巴西贫民窟的航拍」，而是创作者对那片土地的切身体感——那种只有活过的人才有的、无法被提示词生成的经验。判断一部 AI 作品有没有价值，一个很简单的标准就是：把它的视觉风格剥掉，故事还成不成立？

归根到底，技术不是主角。

Glanze 在表述里反复强调一件事：AI 是这一生态的重要基础设施，用来降低高质量内容的制作成本与技术门槛，但技术永远不是内容的主角。真正要回答的是，技术如何服务创作者的想象力、审美和表达。

这句话听起来像是正确的废话。但在一个人人都能生成画面的时代，它其实是最难守住的一条线。

七｜还没有答案的部分

威尼斯的热闹之外，问题一个都没有少。

表演的消失意味着什么？ 当画面里不再有真实的身体，那些靠演员的微表情、走位失误和即兴发挥所诞生的「意外」，要由谁来生产？

劳动伦理怎么算？ 当一个两人团队完成了过去三十人的工作，那二十八个人的生计去了哪里？这不是可以靠一句「技术中立」带过的问题。

版权与训练的边界在哪？ AI 生成内容的著作权归属、风格模仿与抄袭的分界线，各国监管正在推进（国内已于 2026 年 7 月起对 AI 微短剧实行分级管理），但全球范围内远未形成共识。

这场论坛把这些议题摆上了台面，但没有给出答案。

不过，至少有一件事今年在威尼斯被确认了：问题已经从「要不要让 AI 进来」，变成了「AI 进来之后，我们怎么用」。 一个近百年历史的电影节选择了先把门打开，再讨论规则——这或许是最务实的一种态度。

尾声

「一万个平行宇宙」这个名字，乍听起来像是关于技术的：一万个由 AI 生成出来的世界。

但它真正的意思是另一个：一万个创作者眼中的世界。

每一个创作者，都可能拥有一个属于自己的平行宇宙。他们中的许多人，过去因为地域、资金、资源和行业门槛，没有机会把这个宇宙打开。

从论坛到展映，从一张扭蛋机里的算力券到一份电影报纸，TapNow 在威尼斯做的所有事情，指向的都是同一件很朴素的事——把舞台让给创作者。

技术不是主角。技术只是让那一万个宇宙，有了被看见的可能。

而接下来的问题是：被看见之后，它们能不能活下去。

导筒-第83届威尼斯电影节系列报道

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