《秋韵》音乐会在新泽西奏响 多元音乐与传统展开的当代对话

来源：环球网

2026年9月12日至13日，由北美华人音乐家协会主办的《秋韵》（The Sound of Harvest）音乐会先后在美国罗格斯大学Nicholas Music Center和蒙特克莱尔州立大学Memorial Auditorium举行。两场音乐会共吸引约1150名观众，众多来自不同种族和文化背景的观众走进音乐厅，共同感受传统音乐在当代舞台上的全新生命力。

Photo：Jeff Wang

本届《秋韵》音乐会以中国音乐文化为重要出发点，汇聚了来自中国、日本、西非和欧洲等地不同音乐传统的艺术家。从敦煌古谱、盛唐意象，到欧洲文艺复兴及巴洛克时期的琉特琴音乐、日本太鼓与篠笛、西非节奏、再到爵士即兴和当代创作，音乐会跨越地域、历史与艺术语言，呈现了一场传统与当代，不同文化间彼此聆听的音乐对话。

从敦煌出发，连接历史与当代

上半场音乐会由大提琴演奏家Matthew Armbruster作为主持人。他风趣幽默的讲解拉近了作品与观众之间的距离，现场不时响起笑声与掌声。

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音乐会以美国布朗大学音乐系终身教授王璐创作的《Riffs and Flow》开启敦煌之旅。作品以敦煌古谱为创作起点，由北美华人音乐家协会会长杨瑾弹奏复刻唐代螺钿琵琶，特拉华大学驻校音乐家杨悦演奏二胡，巴德美中音乐研习院客座教授夏菁演奏古筝，Black Box Ensemble执行总监许艺菲演奏预置钢琴，这首曲目结合哈佛大学CAMLab的视觉设计，营造出古今交错的视听空间。演奏中，琵琶保留了敦煌古谱旋律的吟诵感，古筝通过音色变化和余韵拓展音乐空间，二胡则在原有素材之上展开即兴，而预置钢琴则借助放置于琴弦上的磁铁改变乐器原有的共鸣，产生清冷悠远、近似钟磬的泛音。音乐会现场的观众从这种声音联想到“从远处寺院传来的钟声”，也有观众形容这样的声音它“仿佛从敦煌壁画和时间深处飘来”。古老的音乐素材由此不再只是被复原和展示的历史遗存，而是成为了当代声音、影像与即兴创作的一部分。

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克利夫兰管弦乐团副首席、小提琴家舒展演奏的《英雄》选段《悲情沙漠》，以富有张力的长线条和细腻的音色变化，构建出辽阔、苍凉的音乐空间。《丰收渔歌》则以明亮流动的旋律展现丰收景象。一位罗格斯大学一年级学生将其选为整场音乐会中令他印象最为深刻的作品。对常年生活在美国缺少中国音乐文化背景的年轻听众而言，这首作品虽然具有鲜明的文化属性，但并未成为年轻的听众理解和欣赏这首音乐的障碍。

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欧洲古老的拨弦传统也在上半场增添了另一重历史维度。蒙特克莱尔州立大学客座教授Jason Priset演奏的文艺复兴及巴洛克时期琉特琴作品，让观众近距离领略复调音乐层次交织的结构之美。琉特琴与琵琶先后登场，引导观众聆听两种古老的弹拨乐器在发音方式、音色余韵、装饰手法与音乐语法上的异同。

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年轻作曲家Tiffany Qianxun Zhao创作的《Blooming Streets》为音乐会注入了新一代音乐家的声音。她的作品以“众里寻她千百度”的诗意为灵感，铺陈一副隽秀灵动的音乐图景。该作品的呈现也体现了北美华人音乐家协会对年轻作曲家的支持，让观众听到年轻一代对传统文化的理解与当代表达。

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马久越创作的《胡旋舞》延续了音乐会的历史线索。作品通过不断回旋的旋律、鲜明的节奏，再现胡旋舞踏地、疾转的动态意象。很多观众在演出后表示，音乐使他们直观感受到盛唐时期中西文化交流所带来的开放的气象与蓬勃的活力。

在彼此聆听中展开跨文化合作

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音乐会的下半场进一步突出了不同音乐传统之间的交流与合作。著名的日本音乐家，马友友乐团丝绸之路常驻音乐家Kaoru Watanabe带来的太鼓表演，以身体动作、节奏与声音的紧密结合改变了舞台的整体能量。在Kaoru创作的《More Perfect Union》中，太鼓、篠笛、二胡及其他乐器通过即兴展开对话。演奏家们没有追求音色或风格上的统一，而是在相互倾听中寻找进入彼此音乐的方式。二胡演奏家杨悦以二胡特有的音色、呼吸和旋律语言融入共同的节奏空间，展现了传统乐器参与跨文化即兴的丰富可能性。

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现任教于伯克利音乐学院以及布朗大学，来自西非音乐传统的Kwaku Kwaakye Martin Obeng带来了充满活力的节奏体验。他将现场观众分为几组，引导大家分别拍击不同的节奏型，并通过相互配合创造出富有层次的律动。在观众的集体伴奏中, Martin以非洲话鼓（talking drum）演奏了一首《圣诞歌》，使舞台与观众席融为一体，整个音乐厅形成共同呼吸的节奏之中。

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经由普林斯顿大学爵士教授Vince Di Mura重新编配的《Besame Mucho》和《天堂电影院》为女中音Lina Zha量身打造了全新的爵士乐队版本。大提琴演奏家Mattew Armbruster，吉他演奏家胡滨、琵琶演奏家杨瑾和贝斯演奏家幺熙童共同参与演奏。跨越不同音色与音乐传统的编配，为这熟悉的旋律增添了新的层次与惊喜。一位观众在演出后说：“没想到有一天我会爱上女中音。”这份直接的现场感受显示，观众有时并非在完全理解一种音乐之后才喜欢它，而是在真正听见它之后，开始产生进一步了解的兴趣。

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作为整场音乐会的压轴节目，熊俊杰创作的《花前月下的热情》将全体音乐家汇聚在舞台上。这首曲目充满感染力的拉丁节奏与律动，为来自不同音乐传统的乐器创造了自由对话的空间。音乐家们彼此回应，将现场气氛推向高潮，并以充满热情和生命力的音乐为演出画下句点。

让陌生的音乐抵达观众

Photos：Yixian Li

尽管敦煌古谱、当代作品、即兴音乐及来自日本、西非和欧洲的音乐传统对不少观众而言较为陌生，这两场演出仍保持了高度专注的现场氛围。一位观众表示，自己在聆听陌生音乐时，通常会用手机搜索作品和音乐家的背景资料，寻找“听懂”的入口，但在第一场《秋韵》中，她一次也没有打开手机，直到最后一首作品开始前，才意识到音乐会已经接近尾声。另一位观众说：“对于不熟悉的曲目，我经常很难听进去。但这两场音乐会让我非常享受，每一首都想再听几遍。” 作品在速度、密度和音色上的安排，音乐家对乐器与文化背景的介绍，以及演奏者与观众之间的直接交流，共同为观众理解陌生的音乐传统建立了入口。一位音乐教育工作者则将整场演出的特点概括为“故事、知识与音乐的结合”。

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两场音乐会还吸引了许多年轻人。他们或许尚不了解敦煌古谱、《胡旋舞》、日本太鼓、西非节奏和欧洲琉特琴背后的历史，却能够通过具体的声音与舞台画面形成最初的音乐记忆。看到磁铁被放置在钢琴琴弦上，一位孩子惊讶地问：“原来钢琴还可以这样？”这样的好奇也体现了现场艺术教育的意义。对音乐的认识并不总是始于系统的知识，也可能始于一次惊讶、一个鲜明的舞台画面，或一段令人希望再次聆听的声音。

Photo：Jeff Wang

作为本次音乐会的主办单位，北美华人音乐家协会为来自不同文化传统的音乐家们搭建了一个高质量的艺术平台。音乐家们既是各自传统的传承者，也是面向当代的创造者。同时，本场音乐会也通过跨文化编配与青年作品展示，为新一代艺术家的成长提供支持。对一个以中国音乐为重要出发点的项目而言，《秋韵》将专业舞台表演与文化讲解、观众互动和艺术教育相结合，进一步拓展了中国音乐在北美公共文化空间中的传播方式。

《秋韵》2026的意义不仅在于两场精彩的演出和吸引了超过千名的观众，更在于让走进音乐厅，有着不同文化背景、不同年龄的听众，聆听过去未曾接触的音乐，并愿意继续了解它们。

当传统在今天相遇，它所带来的不仅是对历史的回望，也是面向未来的又一次新的出发