可灵AI在釜山：和电影人一起，把未来的片场搬到眼前

新腕儿 报道

43万部，是微短剧行业今年前八个月的上线量。

国家广电总局在9月17日的国新办发布会上披露，全国微短剧用户已经超过8亿人，2025 年市场规模突破千亿元。2026年前八个月上线微短剧43万部，是去年全年的13倍，其中 AI剧占比超过九成。

AI显著扩大了内容供给，也为一些受预算和技术限制的场景提供了更多尝试空间。画面生成之后，人物、情节与情绪如何衔接，则需要创作者在制作中持续打磨。

带着对这些议题的进一步追问，10月11日，可灵AI与釜山国际电影节亚洲内容与电影市场（ACFM）共同举办了InnoAsia主题论坛“AI影视创作新可能，与可灵AI共探专业制作新路径”。第二年参与 ACFM，可灵AI带来的讨论进一步深入到专业制作场景，金性洙、李炜、玄海梨和李相旭等影视行业从业者，从导演短片、动画长篇、混合制作电影与短剧等题材切入，分享了各自的尝试。

这些项目尚处于不同制作阶段，却已经让一个变化被行业看得更清楚：AI正在影响专业创作者从想法诞生、到组织团队再到制作实践的全流程。如果说短剧的爆发让行业看到了AI生成的规模效应，电影级制作则进一步检验这种能力如何服务更复杂的叙事表达。

从一个镜头到完整想象叙事

一个普通上班族变成了巨大的虫子，却仍然必须赶地铁、去公司，这是《首尔之春》导演金性洙正在制作的AI短片《Worm Train（虫族列车）》的故事起点。

这部片子的灵感来自卡夫卡的《变形记》，当他把主人公带出了房间，放进拥挤的通勤列车。身体与乘客不断碰撞，主角却在人群中感到更强烈的孤立。

这个设定的张力，来自身体变化与生活秩序之间的落差。一个人已经变成虫子，上班的要求却依然存在，观众需要从陌生的昆虫形象中，认出熟悉的疲惫与处境。

挤进早高峰的地铁后，这只巨大的虫子不断被乘客推搡，它与人群靠得越近，处境就越显得孤独。金性洙想拍出的，是这种身在人群中却无处容身的感受。

今年，金性洙开始构思项目，并用可灵 3.0 生成开场和人物变形的关键画面。两天内，他就看到了接近设想的初步影像，但推进到地铁场景时，制作一度停了下来，因为虽然模型能够生成巨大的昆虫，却它与多名乘客接触时的物理反应还“不够精准”。

韩国著名导演金性洙

这个困难反映了生成影像进入叙事的一道门槛，人物能够分别出现在画面里，但人物之间的关系却要通过动作和反应成立，碰撞是否自然、重量感是否可信，都会影响观众是否相信这个场景。

9月，金性洙使用Kling 4.0 Preview 重做车厢镜头，接触时的重量感和身体反应逐渐能够实现，项目得以继续推进。不过，他也明确表示，经过反复生成效果正在改善，尚不能说已经得到完美结果。现场展示的是阶段性成果，金性洙介绍，影片完成度约七成，后期仍在进行。

比模型进步更值得关注的，是他怎样组织制作。金性洙组建了约九人的团队，引入视效、AI 影像、美术、剧情剪辑和音乐等专业人员，并与调色、声音团队合作。

剪辑师在生成过程中持续参与，团队边生成、边剪辑，再根据剪辑结果返回修改镜头。这意味着，一个画面是否需要重做，可以结合前后场景判断。生成与剪辑形成反复推进的过程，叙事需求也不断反馈到镜头制作之中。

这种往返也改变了修改的依据，一段表演单独看可能已经足够完整，放进剪辑后，却可能缺少一个反应镜头，或者与下一个动作接不上。团队需要带着这些问题返回生成环节，补充镜头、调整节奏。AI 让镜头有了更多修改机会，剪辑则帮助导演确定哪些修改真正有用。

在圆桌上，金性洙还谈到正在筹备的电视剧，其中有一段持续十多分钟的高速公路动作戏，涉及警车追逐、翻车和爆炸。他考虑先用 AI 把整段动作戏做成可视化方案，再区分必须由真人演员出演和必须实拍的部分，反过来设计拍摄与生成影像的结合方式。

这种前期预演，团队可以围绕同一段影像讨论动作设计、拍摄难度与资源安排，让预算和创意的协调更早发生。

金性洙谈到，电影存在于镜头与镜头之间，单个画面可以呈现一个人物，前后镜头的关系才会逐渐建立情绪、事件与张力。

九人团队所做的，正是组织这些关系。AI 让设想更快形成可见的影像，专业人员围绕结果讨论构图、表演与场景衔接，继续决定它应该怎样进入作品。

生成变得更加容易之后，人的经验用在哪里？

工具提供更多选择的同时，也要求创作者更清楚自己的表达方向。

中国动画导演李炜曾担任《宝莲灯》主力原画、《大鱼海棠》执行导演，并与程腾共同执导《姜子牙》。他带到釜山的《疍家风云》，是一部规划片长 105 分钟、包含两千多个镜头的动画长篇。

李炜从手绘背景与画风出发，为后续制作建立视觉依据。人物生活在怎样的环境里，场景呈现什么气质，都需要逐步形成标准，再用这些标准指导生成与修改。

在现场，他用海浪与人物眼神说明了这种判断，AI 可以生成大量海浪方案，却无法自行知道船头的主人公应该拥有怎样的眼神，也无法决定哪个版本符合故事的时代与人物情绪。

这使导演经验的重要性落到了具体选择上，画面是否漂亮只是其中一项，是否适合人物、是否延续美学、是否接得上前后镜头，才共同决定一个画面能否使用。

对于长篇动画，这些判断需要持续发生。镜头数量增加，角色、空间和动作之间的联系也更加复杂。世界观与美学标准越明确，团队越容易围绕同一方向修改，减少各自生成、各自判断带来的偏差。

李炜也强调了AI的前期试错价值，设想迅速形成画面之后，团队能够提出意见，再把反馈纳入下一轮制作。AI 因而既参与镜头实现，也参与创意的验证，让一些资源有限的小众题材获得更充分的开发机会。

《Rendering Love》则把人的经验延伸到了表演与系列内容。

这部由 Barunson E&A 开发原案、MBC C&I 负责 AI 制作的 K-pop 浪漫喜剧，围绕虚拟偶像组合 LEVRIT 展开，现实剧情采用真人拍摄，虚拟偶像的舞台活动使用 AI 制作。

李相旭是 MBC C&I AI 内容实验室负责人，也是一名 AI 内容制作人。他关心的，除了镜头效果，还有项目能否形成持续制作与商业开发的能力。

团队先固定角色形象，再拍摄真人舞蹈，将动作作为可灵运动控制的参考，最后匹配舞台空间，与真人剧情整合，手势、舞姿和个人习惯连接着真人与虚拟身份，也是剧情识别人物的关键。

技术在这里需要保留表演者的特征，动作习惯如果不断变化，故事中辨认身份的依据也会受到影响，设计师、编舞师、表演者与剪辑团队需要共同维护角色的连续性。

这种连续性还关系到系列内容能否成立，虚拟偶像换了服装、灯光和空间，仍需要被观众认作同一个人，才可能继续承载歌曲、直播与品牌合作。《Rendering Love》正在探索这些延展，角色设计登记、原创音乐和专业编舞也成为项目的一部分。

对李相旭而言，这让角色一致性有了商业层面的意义。一个能够被反复识别的形象，才有机会积累观众关系，并从剧情走向音乐与其他内容。每次出现都需要重新认识的角色，很难持续承载这种关系。

AI 制作需要维护的，因此既有外貌和动作，也有角色的性格、习惯与表演特征。视觉稳定是基础，观众是否愿意继续关注，还要由故事和运营来完成。

项目的合作结构也围绕这些需要展开，Barunson E&A 负责故事与 IP 开发，MBC C&I 提供 AI 制作和节目生产经验，可灵提供技术支持，各方的能力在同一部作品里衔接。至于虚拟偶像能否形成长期商业模式，团队仍在测试，角色设计登记与多元开发方向也不能直接等同于已经兑现的收益。

人与 AI 的协作由此超出了单个镜头，故事企划、表演、角色管理与技术支持，需要在同一个项目里相互配合。

电影提出的质量要求，要贯穿整个流程

当 AI 进入专业制作，团队需要考虑它与其他环节怎样共同工作。

MooAm创始人兼导演玄海梨，在现场介绍了长篇混合制作项目《Natasha》。作品以 1944 年的严冬为背景，结合悬疑、惊悚与爱情元素，团队保留真人的细腻表演，再通过 AI 与视效扩展历史环境和复杂场景。

混合制作的难度，来自实拍素材已有清晰的质量基准，加入的背景与效果，需要在色彩、光线、动作和质感上匹配，否则差异就会打断观看。

这些问题也会反过来影响拍摄现场。灰幕前需要标记背景位置，帮助 AI 团队接入；特殊妆造可以先做预览，让演员理解最终形象；摄影与灯光人员也需要提前判断实拍画面怎样与生成结果匹配。

AI 因而需要在策划与拍摄阶段就参与讨论。李相旭表示，团队会像技术监制一样，与导演一起评估哪些镜头适合实拍，哪些使用 AI 更有优势。他所在团队已将 AI 用于《Surprise》的多个制作环节，而《Rendering Love》又进一步尝试了多位艺术家的同步协作。

组织能力随之成为效率的一部分，新模型发布后，团队要先测试，再共享经验，让不同岗位在接近的信息基础上工作。单次生成速度更快，只有与分工、修改和交付配合，才可能转化为整个项目的效率。

李相旭介绍，《Rendering Love》曾尝试让十余位艺术家同步工作，在一两周内完成部分制作。这段时间不能理解为整部剧的制作周期，值得关注的是多人如何并行推进。

任务分配、角色参考和交接方式需要提前协调，否则一个环节节省的时间，可能被另一个环节的返工消耗。模型更新也需要有人先评估适用范围，再将测试结果分享给团队，减少各自摸索造成的差异。

人才培养因此与项目生产联系起来，MBC C&I 让接受培训的新创作者参与实际制作，并尝试首尔与釜山两地的云端协作。远程生成扩大了合作范围，团队仍需要共同的美学标准和反馈方式。

对制作公司来说，持续交付的能力也来自经验能否在成员之间传递，让新工具进入一套可以共同使用的工作方法。

金性洙还提出了专业工具的需求。他把一些生成体验比作“买彩票”，结果未必符合预期。专业创作者需要的，却往往是独特而明确的画面，需要一致性与可控性，也需要与大众服务有所区别的交互方式。

玄海梨的观察进一步解释了这种区别，她谈到，生成影像容易出现相似的面孔、服装与光线，镜头也可能集中在中景和特写。专业团队会继续追问，这里为什么需要全景，人物关系是否需要用双人镜头呈现。

景别和构图承担着叙事功能，创作者要能够主动指定、修改，并保留已经确认的部分。多关键帧控制的意义，也在于给这些具体要求提供操作空间。

这让可灵进入影视工业的下一道题更加具体，模型要提升表现能力，也需要帮助导演把意图转化为可重复、可修改的结果。复杂动作、多关键帧和角色参考等能力，只有进入真实项目，才能显现它们怎样服务场面调度与镜头连续性。

短剧爆发呈现了内容数量的增长，电影进一步要求影像在人物、情节与戏剧张力上彼此配合。质量由此贯穿前期设计、镜头制作与后期加工，需要整个团队共同维护。

金性洙认为，商业生产模式仍需继续探索，标准与共识也要逐步形成。但这些经验已经让“人+AI”变得清楚。创作者提出方向，专业人员参与实现，在每次生成、剪辑和修改中持续作出选择。技术扩展了表达空间，电影的功夫则落实在这些选择能否共同支撑故事。

第二年走进ACFM，可灵AI和与会创作者讨论的内容进一步触及创作肌理：一只虫子如何在画面中与乘客碰撞出可信的物理瞬间，一段舞蹈如何在AI介入后依然保住表演者不可复制的神韵，实拍与生成素材的边界在镜头间如何被悄然抹平......这些看似琐碎的技术之问，其实共同指向一个更大的命题：电影与专业内容生产领域，是不是AI从“可用”走向“专业级生产”的下一站？在今年的釜山，专业内容创作者已经用他们的实际行动给出回答。

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