【人物访谈】蔡杰林 | 2026留声机国际音乐比赛弦乐组评审、上海音乐学院青年教师

蔡杰林 中国青年小提琴演奏家、上海音乐学院青年教师

个人简介：

蔡杰林

中国青年小提琴演奏家

上海音乐学院青年教师

上海音乐学院小提琴硕士

上海音乐学院青年交响乐团首席

上海音乐家协会小提琴专业委员会会员

上海音乐学院社会艺术水平考级考官

曾担任普罗科菲耶夫国际音乐比赛评委，留声机国际音乐比赛评委，普罗科菲耶夫国际音乐大赛艺术顾问，第二届意大利米兰国际大提琴比赛中国赛区总展演评委，第三届意大利那不勒斯“古比托希”国际小提琴比赛Capri 总决赛评委，第三届意大利米兰国际弦乐比赛中国赛区总展演评委，2025第十七届国际华人管弦乐艺术节弦乐评审，2025年录制并出版了唱片-丁芷诺《中国风格小提琴重奏曲集》，2026第六届 Aleksey Gorokhov 国际小提琴比赛评委

1994年出生于上海。4岁开始学习小提琴，2006年考入上海音乐学院附中，先后师从魏韵老师，陈新之教授，弦乐科主任周铭恩副教授，郑石生教授，丁小雷副教授，徐惟聆教授，蓝汉成教授，张薇聪副教授。2012年以专业免考直升上海音乐学院，因其专业突出，破例免去全部学费。

曾多次与国内外著名指挥家小泽征尔，艾森巴赫，陈燮阳，汤沐海，张国勇，谭盾，叶聪，林大叶等合作演出，与Mischa Maisky （米沙·麦斯基），Shlomo Mintz（什洛莫·敏茨），Dmitry Sitkovetsky（狄米特里 · 西特科维茨基），宁峰，胡坤，黄蒙拉，廖昌永，方琼等国际知名大师合作演出。经常代表学校出国参加各类艺术交流活动，参与“ELA上海友人室内乐社”演出，上海小交响乐团演出，谭盾的《水乐堂·天顶上的一滴水》等，均获得热烈反响。

访谈录

（以下内容根据访谈整理。组委会简称Q，蔡杰林简称A）

Q ：您4岁学习小提琴，从上音附中一路专业免考直升上海音乐学院，先后跟随魏韵、陈新之、周铭恩、郑石生、徐惟聆、蓝汉成等多位名师学习。多位不同教学风格的导师，在演奏理念、音乐审美方面，分别带给您哪些启发？

A：我非常幸运，在不同成长阶段遇到风格迥异的老师，每一位都在我音乐道路上刻下非常重要的印记。

陈新之老师是我的启蒙老师，给我打下最底层、规范的演奏习惯，教会我热爱乐器本身；魏韵、周铭恩两位附中阶段老师，偏重扎实严谨的技术体系，对基本功抠得极细，让我建立起一个稳固的技术底盘，懂得“所有音乐表达，必须建立在可靠技术之上”。郑石生教授代表非常正统的俄派演奏美学，强调旋律线条、歌唱性与厚重饱满的音色，教会我把乐句当成人声去歌唱。

进入大学后，徐惟聆教授带给我更开阔、国际化的视角，尊重作品时代风格，鼓励独立思考，不要照搬一套固定模板；蓝汉成教授则彻底打开我的室内乐思维，把倾听、平衡、声部对话植入我的音乐认知。

多位老师体系不完全一样，早期我也会困惑，不同要求之间似乎存在矛盾。后来我慢慢理解：没有唯一“标准答案式”演奏。每位老师提供的是一套看待音乐的角度。我最终不是照搬某一位的风格，而是吸收各家之长，形成属于自己、兼容并蓄的审美逻辑。

Q ：您长期担任上海音乐学院青年交响乐团首席，还多次和小泽征尔、艾森巴赫、谭盾、张国勇等众多国内外指挥，以及米沙·麦斯基、什洛莫·敏茨等大师同台合作。大量的乐团首席以及合作演出经历，对您个人独奏的音乐理解带来哪些反哺？

A：很多学生把乐团演奏当成独奏之外的一份“副业”，但于我而言，乐团经历重塑了我的独奏观。

二提首席的经历，让我习惯站在和声、伴奏声部去聆听旋律。做乐团首席之后，我要衔接指挥意图、引领整个第一小提琴声部，既要清晰，又不能过度自我，懂得克制与分寸。

和不同指挥、独奏大师同台，最直观的收获是：同一首作品，不同艺术家的处理天差地别，不存在唯一完美版本。小泽征尔充满感性、呼吸感极强；艾森巴赫结构严谨、逻辑冷峻；谭盾的作品充满戏剧与空间想象力。这些现场冲击是录音永远无法完整传递的。

回到独奏舞台，我最大改变是：不再只盯着我自己这条旋律。我会想象作品背后完整的织体、潜在伴奏线条、和声走向。哪怕是无伴奏小提琴，我的心里也有一个完整乐团。乐句不再是孤立音符串，而是一场对话。独奏家不是孤立站在舞台上，而是与整部作品所有隐藏声部交流。这就是乐团经历送给独奏最珍贵的礼物。

Q:除独奏、大型交响乐团之外，您也参与ELA上海友人室内乐社等室内乐项目演出。在您看来，独奏、乐团演奏、室内乐三者，对于小提琴演奏家分别意味着什么？

A：我用三句话来概括：独奏是自我表达，乐团是集体服从与引领，室内乐是平等的对话。

独奏舞台，你拥有最大自由度，所有音乐决断由你完成，你对作品完整诠释全权负责，是向内挖掘自己艺术个性的过程。

交响乐团里，你是庞大机器当中的一员。哪怕身为首席，也是在指挥整体构想框架之内工作，训练的是分寸感、集体听觉，学会什么时候往前、什么时候收住，懂得妥协与配合。

室内乐是最奇妙的一种形态，没有绝对领导。四重奏、三重奏每一件乐器地位平等。没有人永远是主角。你这一刻旋律，下一刻就要退成伴奏。你必须时刻聆听伙伴，随时调整速度、音色、力度。

一名完整成熟的弦乐演奏者，三者缺一不可。只练独奏容易变得自我、目中无“他人”；只待乐团容易丢失独立判断力；只做室内乐缺少大场面下的表现力。三种舞台互为补充，共同塑造一个演奏家完整音乐人格。

Q ：右手运弓直接决定小提琴的音色质量，很多学生左手音准尚可，但运弓不稳定，声音层次单一。结合您的演奏与教学经验，在日常练习中，有哪些训练方法来打磨运弓，获得富有变化的音色？

A ：右手是小提琴的嗓子。音色变化来自压力、弓速、接触点三个变量组合。我推荐几组必做基础练习。

第一，全弓长音变化练习。一个长音之内，做由弱到强再到弱，全程保持弓平直，感受手臂重量如何渐进施加到弦上。杜绝僵死不变的压力。

第二，同一根弦，固定音高，用弓根、弓中、弓尖不同弓段演奏，要求每一段音色统一。很多学生弓尖虚、弓根刺耳，就是这项能力缺失。

第三，慢速分弓变接触点。靠近指板柔和，靠近琴马厚重明亮，练习在不改变音量前提下切换音色。

最重要一点：杜绝机械运弓。每一条运弓练习，先想好此刻音乐需要什么音色。不要为了练弓而练弓，永远带着音乐目标去打磨右手。很多孩子右手动作看上去标准，声音依然死板，就是缺少音色想象力。

Q ：左手音准是弦乐永恒的课题，很多选手慢板音准稳定，一旦进入快速段落，音准就出现偏差。针对快速乐章的音准训练，有哪些常见误区需要规避？

A ：最大误区：快速段落直接快练，靠肌肉惯性摸位置。速度上来之后，大脑来不及校验音程关系。

第二个误区：只孤立核对单个音，不看音与音之间音程距离。快段落音准本质是音程准，不是一个个孤立音符准。

我的训练方案：变速分层练习。先用极慢速度，清晰感受每一组手指距离，记住手型框架；其次用中速，把乐句按2‑4小节模块化，模块稳定再拼接；最后分段提速。

还要区分旋律音与装饰音：快速音阶里的骨干旋律音，必须重点稳住；经过音允许适度松弛。很多学生平均用力，所有音符同等权重，骨干音反而模糊。

另外一个高频问题：紧张造成左手肌肉僵硬，把位漂移。练习快速段落中间，强制安排短暂停顿，放松整个左手手臂，养成松弛演奏习惯。

Q ：巴洛克、古典、浪漫派以及现当代作品，演奏处理差异很大。很多学生习惯用同一种演奏逻辑应对所有时期作品。如何读懂乐谱，把握不同时代作品的风格特质，建立独立的音乐诠释？

A ：风格不是玄学，它有历史依据。第一件事：了解作品诞生时代、乐器形制、演奏惯例。

巴洛克时期，弓子短，揉弦克制，重音清晰，节奏有舞蹈感；古典主义讲究均衡克制，乐句方整，力度阶梯式变化，不要过度煽情；浪漫派允许丰富揉弦、大幅度速度弹性、浓烈音色对比；现当代作品，经常用到非常规技法、微分音、特殊弓法，不能套用传统歌唱逻辑。

学生最省事的做法：所有曲子揉弦从头揉到尾，乐句随意自由加速减速。这是风格灾难。

我建议一个流程：拿到新作品，先读总谱，查阅作曲家生平、时代背景；研究乐谱标记，作曲家留下所有表情术语；聆听多个不同演奏版本，对比差异，而不是死学一个网红范本；最后做出自己取舍。风格规范是底线，在规范之内，留给诠释个性空间。

Q ：几乎所有参赛选手都会面临舞台紧张，平时练习状态很好，赛场容易出现运弓失控、音准波动。结合大量独奏、乐团首席的实战舞台经验，对于选手日常模拟训练、赛前心态调节，您有哪些切实可行的建议？

A ：紧张无法完全消除，我们目标不是消灭紧张，而是学会和紧张共存。

日常必须常态化模拟赛场压力。不要只在私密房间练琴。定期在家人、同学、老师面前完整走完全部参赛曲目，不中途停下纠错。模拟演出的价值远高于无数遍闭门练习。演奏一旦中断重来，压力场景下经验就是空白。

赛前一周，降低练习总量。不要再疯狂抠技术难点，大量完整过一遍整套曲目，巩固稳定记忆。赛前一天适度减量，保护体力，不要突击加练。

上台前生理调节：缓慢深呼吸，肩膀下沉，抖动手臂释放紧张；不要脑中疯狂复盘所有技术细节，给自己一句简短音乐提示，比如“歌唱、从容”，把注意力从“我不要出错”转移到音乐本身。

我做乐团首席这么多年也会紧张。适度紧张带来兴奋度，舞台反而更有光彩。害怕紧张本身，才是最大敌人。

Q ：除日常练琴之外，您建议青少年弦乐学习者，还可以从哪些方向积累综合素养，例如总谱阅读、聆听作品、室内乐实践、人文阅读？

A ：我分成四个方向给到建议。

第一，系统化聆听。不要碎片化刷短视频片段。完整听交响乐、协奏曲全集，建立完整听觉记忆。准备一个聆听清单，按作曲家编年规划。

第二，浅度总谱阅读。不用精通配器，学会看懂基本织体。哪怕仅仅翻开总谱，看一看你的旋律之外还有什么，收获巨大。

第三，尽可能参与重奏。重奏是性价比最高的素养课程。

第四，跨艺术滋养。文学、诗歌、绘画、戏曲、电影。音乐不是孤立存在。所有其他艺术体验，最终都会转化成你的音乐想象力。

每周固定留出少量非练琴音乐时间。短期看不出效果，数年之后，人与人诠释深度差距，往往来自这些课外积累。

Q ：对比海外弦乐教学体系，结合国内的教学现状，您认为国内青少年小提琴教育，还有哪些方面值得借鉴完善？

A ：国内体系优势毋庸置疑：基本功训练扎实，学生技术上限很高。短板集中在几个维度。

第一，室内乐教育普及度不足。海外几乎所有音乐学院重奏是必修课；我们很多地方还是可有可无选修课。

第二，作品广度不足，过度聚焦比赛热门曲目。现代作品、冷门古典作品接触偏少。

第三，课堂模式：国内教学普遍教师输出多，学生思辨讨论偏少。我们可以更多引入研讨式教学，鼓励学生提出不同处理方案。

第四，社会实践链条。海外学生拥有大量低门槛小型公开演奏机会；国内舞台资源集中在大型比赛。我们需要更多常态化、非竞赛性质小型音乐会。

当然不是全盘照搬国外。把我们扎实技术传统，加上协作、独立研究、多元曲目体系结合起来，就是更加完善的弦乐培养路径。

Q ：在评审弦乐（小提琴）参赛选手时，您重点关注哪些评判维度：音准、节奏、右手运弓音色控制、揉弦技术、时代风格把握、乐句歌唱性、音乐诠释、舞台状态；重奏组别额外关注互相倾听、声部平衡、团队默契。对于备赛的参赛选手，您有哪些打磨作品以及心理建设方面的建议？

A ：打分权重上，我优先顺序：稳定音准节奏＞右手音色品质＞乐句歌唱逻辑＞时代风格把握＞个人诠释与舞台气质。

很多选手花大量精力去打磨花哨细节，但是基础音准节奏不稳定，分数一定会被大幅下拉。技术是入场券。

备赛打磨作品的建议：

1、分层练习：难点单独拆解，整套曲目不间断完整演奏同等重要。

2、音色优先于速度。宁可适当降速，保证每一句声音质量。

3、建立清晰乐句呼吸规划，标注每一处气口、高点。

4、反复研究作品时代风格，不要用统一模板处理所有乐曲。

心理建设方面：降低你对名次的执念。把目标设定为：把这首作品，按照你理解的样子，完整真诚地演奏一次。允许小瑕疵存在。完美是幻想，真诚可信的音乐最打动评委。

针对重奏组别：组合一定要留出大量不带录音、不带乐谱的听觉排练。多听对方，不要只顾自己。声部平衡与默契，是重奏评分当中决定性指标。

Q ：本次担任留声机国际比赛弦乐组评委，结合独奏演奏、乐团首席、室内乐、高校教学、多届国际赛事评委多重身份。在您看来，国际青少年弦乐比赛，真正的价值体现在哪里？

A ：从我的多重身份叠加起来看，赛事价值分为三层。

第一层：阶段性质量检测。一套完整曲目舞台呈现，暴露平时训练看不见的短板。压力环境下演奏，是任何私下上课无法复刻的检验场景。

第二层：交流平台。全国各地乃至海外青少年汇聚在一起，选手之间互相聆听，看到同龄人的长处。评委来自不同教学体系，选手收获多元视角反馈，打破单一审美闭环。

第三层：动力与仪式感。认真备赛一整个周期，学生会完成一次高强度系统性提升。这个过程本身，远比最终一张名次证书更加珍贵。

我希望留声机国际比赛不止是一场竞技，更是一个学习社群。我们鼓励真诚演奏，鼓励个性表达，引导孩子把比赛当成一场盛大公开音乐会。

Q ：请为本次留声机国际比赛弦乐组全体参赛选手，以及全国广大青少年弦乐学习者送上寄语。

A ：各位同学，各位热爱弦乐的少年朋友们：

小提琴这条路，漫长，也充满孤独。每一次练习，每一场舞台，都是你和音乐一次对话。

不要被难度、名次困住你的音乐想象力。技术是工具，最终我们拿起琴，是为了表达内心声音。赛场只是音乐旅程当中一个小小的站点，不是终点。

愿你们永远保有对声音的好奇，愿意去倾听他人，愿意在音符里看见更广阔世界。无论今后是否走上职业演奏道路，希望弦乐带给你们一生源源不断的快乐与力量。

预祝本次留声机国际比赛所有参赛选手享受舞台，奏出属于你们最真诚的声音！