学员日记（十一）丨全国青年戏剧创作人才（音乐）研修班

全国青年戏剧创作人才

（音乐）研修班

学员日记

第十一期

编者按

2026年8月21日，由中央宣传部文艺局、中国戏剧家协会联合主办的全国青年戏剧创作人才（音乐）研修班在河北廊坊开班。本次研修班是中宣部文艺局与中国剧协继2024年“全国青年戏曲编剧研修班”、2025年“全国青年戏剧创作人才（编剧、导演）研修班”成功举办之后，三度携手推出的青年戏剧人才培育项目，聚焦戏剧音乐创作领域，旨在破解行业痛点、夯实人才根基。本刊将持续关注研修班进展，并推出学员日记系列专题，以飨读者。

从生活中寻找创作灵感

一组

代表

王余雷

黑龙江省京剧院一级作曲、指挥。毕业于中国戏曲学院作曲专业，硕士研究生。黑龙江省高级职称评审专家、黑龙江省文旅厅专家、黑龙江省音乐家协会专家、黑龙江省戏剧家协会专家，黑龙江省艺术职业学院客座教授。中国戏曲音乐学会理事、中国戏剧家协会会员、黑龙江省民族管弦乐指挥专业委员会副会长。入选中央民族乐团首届指挥大师班、文化和旅游部“千人计划”优秀创作人才。

DATE：2026.8.31

在这十几天的培训中，我们不仅学习到了很多作曲理论技术和日常的创作经验，更可贵的是，能够对一些创新的思维理念进行重新认知。我意识到，要在继承传统的同时，把握好创新的尺度的确是个大难题。

朱绍玉老师提出戏曲音乐创作要有“老耳朵，新眼睛”的创作理念。首先要刻苦学好作曲的专业技术理论，不能只有传统观念。要有唱腔、配器、和声、复调等多方面的专研学习，这样创作的作品才更有技术性的深度。谢振强老师、陈国良老师在戏歌艺术层面给我们分享了他们的宝贵创作经验。通过对戏曲音乐创新的思维方式进行梳理与思考，我认为戏曲创作同质化的问题当今依然存在。几个新编戏的题材雷同、表现风格雷同、唱腔风格雷同，这些问题依然值得我们思考。

民族音乐创作的素材，来源于民歌、民间音乐、戏曲、曲艺、山歌等。在未来的戏剧音乐探索中，我觉得还远远不止如此。大自然赋予人类生命的一切可能，也应该是音乐的重要宝藏。艺术源于生活，高于生活，在自然中提炼出的音乐素材更加贴近于生活。如布谷鸟的叫声、芦苇荡的风声、空中的鹤鸣声；夏日空中的知了声声，风吹草木的沙沙，雨滴滴在池塘中的清脆，河里鱼儿吐着轻声的水泡，这不就是多声部的丰满配器吗？在海岸边大海的呼啸、风声的涌起、海鸥的长鸣、当地渔民用地方音律的语言吆喝着丰收喜悦，这不就是我们寻找的宝贵音乐素材吗？

不仅如此，音乐在生活中也是无处不在。比如，电梯开门声不就形成了各级的大三和弦，在拍球的律动中难道不就是音乐由慢渐快的相似动律吗？心跳的节奏，不也是在对应音乐节奏的舒缓快慢吗？因为节奏会直接影响到每个人的情绪波动。

尤其我们青年戏剧音乐创作者，首先要多学习先辈的音乐理论及宝贵经验。其次还要多总结，多发现，多观察，才能多创造。前辈的理论与创作思考不仅要学会，还要弄懂，更要思考在创作思维中的辩证关系。老师的经验是启迪我们的创新思维，并不是一成不变、人云亦云的技术照搬。几个世纪戏剧艺术创作的前行力量，不就是哲学思辨的前行吗？这只是我个人一点微薄见解，请老师同学们参考与批评。

技法的赋能，精神的感召

二组

代表

邹裕伟

广州粤剧院有限公司音乐总监。主要作品有：唱腔、音乐设计粤剧《新搜书院》《董生与李氏》《孙中山与宋庆龄》《初心》《南粤破晓》《抉择》《平安带》、戏曲音乐剧《冼夫人》《妈祖》《粉墨芳华》、壮歌剧《天梦》；唱腔设计作品有：粤剧《文成公主》《双绣缘》《南拳》《东江传奇》等。作品曾获全国戏剧文化音乐金奖、广东省艺术节音乐创作奖。多部作品获“中国艺术节优秀剧目奖”、广东省“五个一工程”及“广东省艺术节剧目奖”等奖项。

DATE：2026.8.31

8月31日的课程由蓝天老师与刘建宽老师分别授课，两节课程各有侧重，兼具实战深度与情感温度，令我印象尤为深刻。

上午，蓝天老师聚焦戏曲主题音乐创作展开授课。老师首先精准厘清概念：“音乐主题”是核心旋律动机、是创作的种子，“主题音乐”是完整衍生的乐曲、是全剧的音乐标识，二者不能混同。课上，老师结合自己创作的多个剧种优秀作品案例，拆解了音乐主题的提炼路径、呈现方式与强化技法，强调“音乐形象准确优先于旋律好听”的核心原则，指出主题创作需兼顾地域、时空、人物、性格四大维度。讲到动情处，老师聊起剧目剧情、随口哼起笔下的主题旋律时竟不由自主红了眼眶，那份对音乐刻入骨子里的热爱与赤诚，让我由衷敬佩。我平日创作便注重主题贯穿表达，此番从老师的一手创作经验中，更对主题动机交织、配器织体处理等手法有了更精细化、体系化的认知。

下午，刘建宽老师以越剧唱腔为核心实例，系统讲解戏曲唱腔创作的五大实用技法：化用传统腔格创作新腔、做好全剧唱腔板式布局、灵活处理句式伸缩变化、打磨重点句式与关键字强化情感、运用特性音调配合转调贯穿主题。老师特别强调，新时代戏曲创作不能脱离剧种本体，创作者既要吃透本剧种的唱腔程式与韵味，也要掌握专业作曲技术，二者深度融合才能产出立得住、传得开的作品。对照自身粤剧创作实践，我深有共鸣，这套技法逻辑也为粤剧新腔创作提供了可落地的创作标尺。

一天的课程紧凑充实，既有技法的赋能，更有精神的感召。后续我会把所学内化到实践中，扎根粤剧声腔本体，用更系统的创作方法打磨作品，守住粤韵本色，探索当代表达。

坚守剧种唱腔本源

把握戏曲音乐创作新尺度

三组

代表

吕泓孝

中国音乐家协会会员，中国戏曲音乐学会会员。甘肃秦腔艺术剧院作曲，兰州文理学院常任配器、指挥。代表作品有：秦剧《荷屋梦》《激流飞渡》《米祥仁》《父亲》《远志魂》《铸鼎西垂》《筚篥魂》《忠孝图》《焚绵山》《狸猫换太子》《买妙郎》《椒乡里的麻辣事》《蔡文姬（参加配器）》、戏歌《耕耘新时代》《颂歌献给你》等。其中秦腔现代清喜剧《椒乡里的麻辣事》于2018年6月入选国家大剧院第三届小剧场优秀戏曲节目邀请展演，《蔡文姬（参加配器）》于2022年3月入选国家艺术基金2022年度大型舞台剧和作品创作资助项目。

DATE：2026.8.31

我是甘肃秦腔艺术剧院的一名戏曲音乐创作者。从业以来，我始终坚持在秦腔舞台一线，参与剧目伴奏、唱腔设计与音乐编配工作，但在长期编创实践中逐渐陷入创作固化、思维局限的困境。

通过聆听汤其河老师《守望剧种传统唱腔音乐的根脉与创新》的专题授课，让我得到了新的启发：我们的戏曲之所以能够跨越百年、代代相传，核心就在于每个剧种都拥有独属于自己的声腔体系与本土息息相关的音乐语言。板式布局、调式调性、行腔韵律、节奏起伏，以及成套的传统锣鼓框架，共同构成了各个剧种独一无二的艺术底色，这也正是戏曲区别于歌曲、歌舞剧、音乐剧、器乐曲的重要标志。戏曲若脱离了传统唱腔的根基，就谈不上字正腔圆，创作就会成为无源之水、无本之木，便会彻底丧失其自身的辨识度与它独有的艺术特点和魅力。

当下戏曲音乐创作现状，业内不乏存有急于求新、盲目融合的问题。有些新编剧目为了追求舞台华丽效果，较多堆砌西洋配器、套用外来和声体系，忽视了本剧种民族性的原生音乐、声腔逻辑，原本可以是民乐队就可贴切融洽完成，却为了阵容的强大而较刻意的西式编曲，冲淡了本土声腔的质朴韵味，而导致剧种音乐唱腔同质化，本乡本土的传统味道逐渐流失。汤老师的课程让我深刻认识到：守正，并不是复制粘贴、固守老套路，而是要敬畏传统、深研传统、吃透传统，方能做到活用传统。作为戏曲音乐创作者，必须静下心深耕本剧种传统曲牌、研究唱词韵辙、揣摩行腔规律，吃准音词对位，吃透老剧目、老唱腔、老锣鼓点的内在逻辑，夯实自身传统功底。只有真正深懂传统，才有资本和能力在传统中发展和创新。

在守正固本的基础上，戏曲音乐的创新必须把握尺度、找准方向、贴合舞台、贴合剧情。戏曲创新不是颠覆本体，而是优化提升、丰富表达。除了唱腔旋律与伴奏织体的改良，戏曲打击乐的创新运用，或许比较被容易忽视，但也是最值得深耕的创作突破口。传统戏曲锣鼓拥有成熟的程式套路，是烘托剧情、把控节奏、塑造人物的重要手段，但这种固定的节奏范式，有时也会让舞台节奏单一化，难以适配当代观众的视听审美。

在学习与实践中我深刻体会到，戏曲锣鼓未必一成不变。在保留本剧种传统锣鼓骨干程式拍点、核心韵味、节奏律动的前提下，可以合理融入民族打击乐丰富的拍点变化、细微节奏与多元音色。将民族打击乐灵活的节奏拍点融入戏曲锣鼓编排，能够弥补传统锣鼓节奏厚重、传统较单一的不足和短板，让舞台节奏张弛有度、纵横交织、层次丰富。抒情段落可以用轻柔细碎的打击拍点给与情绪背景的铺垫，冲突段落可以用多变的节奏型强化戏剧张力，达到好的渲染效果，让戏曲打击乐不再是单一的程式铺垫，而是服务人物、符合剧情、渲染氛围的重要艺术载体。这种融合是立足戏曲本体的优化创新，真正做到移步不换形、创新不离根。

新时代的戏曲音乐创作，既要扎根传统，也要与时俱进。要坚决摒弃急功近利的创作心态，拒绝为了创新而创新。在日常创作中，坚持以剧本为根基、以人物为核心、以音乐为灵魂、以唱腔为主体，合理运用现代作曲技法、科学搭配配器层次、灵活融合民族打击节奏，在守护剧种根基的前提下，丰富戏曲音乐的时代质感。

责任编辑 孙竹

设计制作 孙竹

主管 中国文学艺术界联合会

主办 中国戏剧家协会