她的装置作品获顶级博物馆收藏，新展亮相外滩

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

摄影：顾忠升，图片来源：上海外滩艺术中心

太阳之下，你我皆为织日者，用骨血、记忆与滚烫的灵魂，编织着属于自己的那一片光 。 而林芳璐的织物，正是这些光中最炽热、最坚韧、最不朽的那一束。它撕裂黑夜，却只是给予，并不索回。

上海外滩艺术中心于10月8日—11月2日呈现林芳璐个展《太阳之下》，由复旦大学哲学学院艺术哲学博士傅小敏策展。

▲艺术家林芳璐在“太阳之下”展览现场，2026年

展览延续艺术家长期以来对纤维、身体与传统物质文化的探索，并以“太阳”为核心线索，将创作视野从皮肤、指尖与丝缕之间的亲密触觉，进一步推向土地、地域与共同世界。

此次新作的线索来自云南文山西畴，当地绣品、织物、纹样与仪式动作，成为艺术家重新思考传统、身体劳动与跨文化连接的起点。在缠绕、捆扎、缝缀与浸染之间，林芳璐的创作再现地方传统经验的同时，也让纤维成为连接身体、记忆、土地与宇宙能量的媒介。

▲林芳璐作品《她给予的爱》

于V&A博物馆中国馆

“多维——中国当代工作室工艺”展览现场，2025年

近年来其作品曾展出于伦敦V&A博物馆、巴黎装饰艺术博物馆、维多利亚国立美术馆、上海当代艺术博物馆、西岸美术馆等大型机构，并被多家国内外重要公共机构收藏。

▲青年艺术史学者、藏家庄子睿

摄影：孙瑞祥

以下展评，由青年艺术史学者、藏家庄子睿从个体的收藏和观看经验出发，回到作品的褶皱、线结与光芒之中，试图重新理解林芳璐如何在太阳之下，编织出属于身体、土地与世界的纤维宇宙。

两年前那个下午，当林芳璐的《她的太阳》《她的月亮》《她的树》被缓缓挂上我家客厅墙壁上时，当下的我并未意识到自己收藏的不仅是三件纤维作品，而是三枚仍在呼吸的器官。

▲庄子睿家客厅中悬挂的林芳璐作品

它们安静地悬在那里，像一片素白的风景。那些被反复缠绕、捆扎、缝缀、拉扯之后留下的褶皱与旋涡，让某种原始而精密的秩序在其中沉睡。它们是被艺术家“织”出来的，也是被“绑”出来、被“系”出来的。纤维在指节间被拉紧、被扭曲、被释放，最后凝固成一种介于伤口与花朵之间的形态。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

当林芳璐近日在外滩艺术中心的个展《太阳之下》的邀请函到来时，我带着一丝收藏者的迟疑走进展厅——我是否还能像第一次与她作品相遇时那样，被一种完全陌生的力量击中？我是否还能在那些已经被我私密化的“她”之外，重新发现一个全新的林芳璐？

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

看完展览之后，我发现答案是肯定的，但方式截然不同。

展览的动线被精心设计成一条从地到天、从人类到寰宇的旅程。进门是一条走廊，右手边的房间是作品《金乌》，左手边的房间则陈列着《永昼之野》与《永夜之野》，再往深处走，是作品《赤经》；长廊被布置为档案间，陈列着林芳璐在云南西畴山调研太阳节的文献与布料；走下楼梯，是本次展览的架上作品展区。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

这个空间序列本身就是一个叙事：从太阳的神话形象，到昼夜的对立与交替，到天球坐标中那根不可见的轴，再到人类学意义上的田野档案，最终抵达那些可以悬挂、可以凝视的纤维平面。

我意识到，这并非一场传统意义上关于“新作”的展览，这是一场关于“关系”的展览。

要理解本次“太阳之下”的转向，必须回到林芳璐此前的创作脉络。她的上一场重要个展《切肤之上》，标题本身就暗示了一种向内的、近乎解剖学式的追问。

▲“切肤之上：林芳璐个展”，展览现场，2023年

由庄子睿策展

“切肤”意味着皮肤不仅是身体与世界的边界，也是被切开、被触及、被感知的界面。在那批作品中，纤维与身体的类比被推到极致：缠绕的红线如血管，缝缀的针脚如伤口愈合的痕迹，红色、粉色、紫色、黄色的植物染液渗入布料的肌理，如伤疤与淤青。这是一种“向内的潜行”，沿着皮肤、指尖与丝缕相触的缝隙展开。

▲“切肤之上：林芳璐个展”，展览现场，2023年

而“太阳之下”所展现的，是一次“向外的舒张”。如果说“切肤之上”的目光始终停留在皮肤表面那层薄膜上，那么“太阳之下”则从这层薄膜上抬起了眼睛，望向那片覆盖万物、不分疆界的天空。

从贴身的触觉边界，到覆盖万物的天空；从自我到无垠；从指尖与丝缕的缝隙，到太阳底下所有文明造物共享的同一颗恒星。这是一条从“我”走向“世界”的轨迹。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

展览前言中精准地指出了这一转向的哲学基础——梅洛-庞蒂的“肉身可逆性”、新物质主义对“物”的能动性的强调、英戈尔德的“线”与“编织”作为生命之网的隐喻、盖尔关于艺术能动性的论述。这些理论资源在林芳璐的作品中是被“编织”出来的。

她的创作始终建立在一种物质实践之上：缠绕、捆扎、缝缀、浸染。在这些反复的劳作中，手作者的身体与织物超越了塑造者与被塑造者的对立——丝线回拉着指节，染液渗入掌纹，材料以自己的脾性参与每一次成形。这正是梅洛-庞蒂所说的“肉身的可逆性”：自我与他者相互贯通，却始终保留间距。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

“太阳之下”将这种姿态从一层皮肤推向了整个星球。它不再仅仅追问“我”与“你”之间的关系，而是将边界问题延展至地域、空间与疆界。尺度骤然放大，从近处的触觉跳向遥远的天际，但艺术家的手势却始终如一：让固化的区隔变得可穿越，为差异之间的往来腾出空间。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

本次展览现场的档案间，陈列着关于西畴山的纪录。西畴县位于云南省文山壮族苗族自治州，被群山环抱，世代相传的手艺与仪式在此沉积。林芳璐的创作元素取材于此：绣品、织物、纹样，以及在仪式中反复出现的身体动作。

这些元素带着鲜明的地方性，也沉积着绵延至今的时间。但真正让这些元素获得灵魂的，是当地特有的太阳节仪式。

太阳节是西畴山一带流传已久的仪式活动。节日当天，女人们上山祭拜太阳，男人只能在山脚下等待。这是一条清晰的性别边界：女性掌握着与太阳对话的权利。这种母系社会的遗存，在当代语境中显得既遥远又尖锐。它提醒我们，太阳并非一个中性的天体，它同时也是一个被性别化的、被权力关系编织的象征。

▲艺术家林芳璐在“太阳之下”展览现场，2026年

林芳璐没有将这种性别边界简单化为一种“女性主义宣言”。她所做的，是让这种边界变得可感、可触、可穿越。在她的作品中，缠绕与捆扎既是束缚的隐喻，也是连接的手段。线被拉紧时产生张力，被松开时留下褶皱，这种张力与褶皱正是边界本身的形态：分开又连接，相斥又吸引。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

档案间里的文献、影像间里循环播放的纪录片与展厅中的纤维作品形成了奇妙的呼应。

那些记录太阳节仪式的视频、稿本、织物切片是作为作品本身的骨骼而存在的。也印证了林芳璐的创作不是简单从“工作室”到“展厅”的封闭循环，而是从“田野”到“织物”再到“展厅”的漫长旅程。

本次展览的三个核心展厅，是五件大型纤维装置。两件《金乌》踞于右手边的房间，如一轮初升的太阳，又如一尊刚刚挣脱神话桎梏的巨鸟。墙壁之上，那轮由无数植物染色棉线织就的日轮或羽翼，正以红、橙、黄三色向四周汹涌辐射。

▲林芳璐，《金乌》，2026年

而在它的正下方，在大地与墙壁的交界处，那具呈多芒星状匍匐、延展的庞大躯体，才是这件作品最惊心动魄的锚点。它如同金乌坠地后碎裂的骨骼，又如大地深处向天空伸出的巨掌与根系。

作品中的神鸟形态是在缠绕与捆扎的过程中逐渐生成的。这正是新物质主义所强调的：物从来不是等待被赋形的惰性材料。在这一空间里，墙壁上的炽烈与地面上的沉重，构成了一种巨大的张力与悲鸣。

▲林芳璐，《永夜之野》，2026年

纤维、线结与染料凭借各自的性质和作用力参与塑造，它们以自己近乎蛮横的韧性，参与塑造了形态与意义。

人在其中，不是创造者，而是这场盛大的、近乎惨烈的新物质主义仪式中的参与者。当我走入这个房间，我似乎不必抬头仰望，但也无法逃避。因为在太阳之下，万物皆是灰烬，也皆是光。

▲林芳璐，《永昼之野》，2026年

《永昼之野》与《永夜之野》占据着左手边的房间。这两件作品形成了一种昼夜交替的节奏：一件以明亮的植物染就的黄绿色为主调，另一件则以深沉的靛蓝与紫色为基调。它们相对而望，像是一天的两端，又像是生命的两极。在它们的表面，那些被反复缝缀、缠绕的棉线形成了密集的褶皱与旋涡，仿佛大地的肌理被放大到可以触摸的程度。

▲林芳璐，《赤经》，2026年

《赤经》则是一件更为抽象的装置。它的标题来自天文学：赤经是天球坐标系中的经度，是描述天体位置的基本参数之一。

在这件作品中，林芳璐将纤维的缠绕与天体的运行联系起来。那些被拉紧的线，像是天球上的经线；那些被捆扎的结，像是恒星之间的引力节点。作品从描述“物”的叙事中抽离，转向对于“关系”的理解：物与物之间的关系，物与人之间的关系，人与宇宙之间的关系。

▲《赤经》作品细节

如果说大型装置是一场“神明与巨兽的史诗”，那么架上作品展区，便是命运在细微处留下的斑驳指纹。

这些作品尺幅收拢，却绝非能量的退潮，而是那场狂野风暴收缩后的心跳——更沉，更烫，也更接近于血肉的私语。站在这里，我能感受到，那些布面上的褶皱，不再是物质的被动附庸，而是具备自身生命意志、在时间之中独自呼吸的活物。

▲林芳璐，《薄暮》，2026年

《薄暮》率先在视线尽头燃起。红色、橙色、粉色与黄色在纤维的缝隙里彼此咬合，又彼此依偎，那是无数道被植物汁液浸透的晚霞，在撕扯与缝合中被强行挽留在了人间。那是日落时分最惨烈也最温柔的天空，是一场盛大典礼后，神祇留在大地上的余烬。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

《山与迷踪》则以深绿与浅绿为基底，如同远古荒原上历经万年的原始森林。但在这层密不透风的绿意中央，赫然悬浮着一簇幽蓝的漩涡，那是指向未知的隐秘路径，还是群山之间一条被月光照亮的归途？林芳璐用线将观众的视线引入歧途，又让他们在那里找到了自己灵魂的坐标。

▲林芳璐，《云烧火》，2026年

《云烧火》则更加暴烈。它以红色与橙色为主调，那些被反复缠绕、紧绷的线，像极了燃烧的云层，又像是正在喷发的火山。我几乎能听到那些棉线在极致的张力下发出的嘶鸣，那是岩浆在向苍穹告白，是烧焦的羽毛在风中做着最后的盘旋。

▲林芳璐，《碧萝天》，2026年

《碧萝天》则是一片被封印在纤维里的绿色汪洋。深浅不一的绿意汹涌翻卷，如藤蔓，如海藻，如深海中沉默的巨兽骨架。

植物染料的层次被推向了极致，那些粗粝的纤维表面上，交织着近乎疯狂的褶皱与毛边，中间点缀的宝石，仿佛是晨露。它的绿带着一种原始而危险的生命力。纤维、线结与染料凭借各自那近乎蛮横的韧性，参与塑造了这场视觉与触觉的神迹。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

这些架上作品与楼上的大型装置共享着同一套创作语言：缠绕、捆扎、缝缀、浸染。它们是同一套物质实践在不同尺度上的盛大展开，只是在此处，它们变得更加亲密，更加私人，更加毫无防备地袒露着创口。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

在这个陈列架上作品的房间里，尺度被骤然拉近，观众与作品之间维持着一种近乎私密的距离。在大型装置的环绕中，我们是被动卷入洪流的石子；而在这里，我们是站在显微镜前的观察者，被迫直面物质的微观深渊。

那每一寸布面上的褶皱，每一根凌乱的线头，都是太阳与大地之间一场漫长而无声的对话。生命本就是由无数条线组成的网，而编织则是这张线网最古老的隐喻。在太阳之下，这些架上作品如同散落的星辰，各自闪烁着微光，却都在同一片光芒的照临下，彼此牵缠，共生共息。

▲“太阳之下：林芳璐个展”，展览现场，2026年

太阳不再是一个遥远的天体，而是一种可以被触摸、被感知、被编织的存在。它存在于每一根被染色的线中，存在于每一个被缠绕的结中，存在于每一道被缝缀的褶皱中。

林芳璐是一个织日者——她以纤维为笔，在西畴的泥土与群山中起身，让世代相传的古老手艺刺穿当代的迷雾，将女性身体与血肉劳作的注视，推向万物与宇宙的磅礴共生。

▲《永夜之野》作品细节，2026年

太阳之下，你我皆为织日者，用骨血、记忆与滚烫的灵魂，编织着属于自己的那一片光。而林芳璐的织物，正是这些光中最炽热、最坚韧、最不朽的那一束。它撕裂黑夜，却只是给予，并不索回。

以上仅代表个人观点

《收藏·拍卖》杂志公众号独家稿件

作者：庄子睿

毕业于伦敦考陶尔德艺术学院

主要研究方向为宗教意象与地缘政治

其关于威廉·布莱克的著作被大英图书馆、剑桥大学图书馆、苏格兰国家图书馆等机构收录

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